Minimalista zene

A minimalista zene egy mai kortárs zene, amely az 1960-as években jelent meg az Egyesült Államokban , és amely fontos része a klasszikus zenének ebben az országban . Franciaországban az áramot gyakran ismétlődő zenének hívják , pontosabban az összes művet az ismétlést kompozíciós technikaként használja. A minimalista zene fő zeneszerzői La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass és John Adams . A minimalizmus megalapozójának tekintett mű Terry Riley In C című alkotása, amelyet 1964-ben komponáltak . A minimalista zenére néha a posztmodern zene tágabb címkéjén hivatkoznak .

A tonalitás visszatérésén túl az áramot főleg a szabályos impulzus használata és a rövid, lassan kialakuló minták ismétlődése jellemzi. A minimalista zene túlmutat az Európában akkor uralkodó sorozatos reakció reakcióján az innovatív amerikai zene megjelenését jelenti, amely elszakad az európai kapcsolatoktól. Minimalista zeneszerzők is tette a visszatérést több zenei érzelem, ahelyett, hogy a lényegében intellektuális megközelítés soros zene , vagy a fogalmi megközelítés kísérleti zene , mint a John Cage gyakorlat . A klasszikus zene hagyományos áramkörein kívüli nehéz kezdetek után a minimalista zene elnyerte egy bizonyos közönség támogatását, néha különböző univerzumokból, például jazzből , rockból , improvizált zenéből vagy elektronikus zenéből . A televízió és a mozi széles körben használta ezt a zenét, különösen Philip Glass műveit, hozzájárulva a nagyközönség elterjedéséhez. Erőszakos kritikát fogalmaztak meg a zenei világtól is a minimalista áramlat irányában, azzal vádolva, hogy fogyasztói zene, felületes és lelketlen.

Tábornok

Bemutatás

A minimalista zene kifejezést általában arra használják, hogy a kortárs zene aktualitására utaljon, amely az 1960-as években jelent meg az Egyesült Államokban a La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich és Philip Glass zeneszerzőkkel. A mozgalom főként az Egyesült Államok két régiójában fejlődik ki, amelyek hagyományosan leginkább nyitottak a művészeti újításokra és a nem európai kultúrák hatásaira: New York és a nyugati part . A minimalizmusnak Nagy-Britanniában ( Michael Nyman , Gavin Bryars ), Hollandiában ( Louis Andriessen ), Franciaországban ( Renaud Gagneux , Bruno Letort ) is vannak hívei , de ez mindenekelőtt amerikai jelenség.

A kifejezést néha általánosabban használják a kísérleti zene vagy a posztmodern zene egyes zeneszerzőire . Különösen Arvo Pärt és Henryk Góreckit néha minimalista zeneszerzőként emlegetik, bár nagyon eltérő aggodalmak vannak az amerikai repetitívekkel szemben.

A minimalista zene szakítást jelent az avantgárddal és visszatér a tonális , vagy néha modális zenéhez . Általában bizonyos egyszerűség és az eszközök takarékossága is jellemzi. A zeneszerzőktől függően különféle jellemzőket alkalmaznak: szisztematikus kompozíciós folyamatok, ismétlődő struktúrák és az amerikai ismétlődő rendszeres lüktetés , Arvo Pärt és Henryk Górecki számára a vallási és középkori zene hatása , visszatérés bizonyos klasszikus formákhoz ( kvartett) , szimfónia …) John Adams számára .

Az 1976-os év a minimalista mozgalom csúcsát jelenti Reich Zene 18 zenésznek című alkotásával , az Glass Einstein a tengerparton című operájával , Louis Andriessen De Staat című operájával , Für Alina alapító darabjával. Arvo Pärt műve tintinnabuli stílus és Henryk Górecki harmadik szimfóniája . Ezeknek a műveknek a premierjük dátumától eltekintve közös a jelentősége annak, hogy zeneszerzőik karrierjében sarkalatos szerepet töltenek be, akár egy elméleti munka csúcspontjaként, akár egy új írásstílus kezdetét jelentik, amely „friss levegőt” a világon a klasszikus zene, a XX -én  században .

Zenei háttér

Az 1950 és 1960 közötti kortárs zenét a teljes sorozat és az európai avantgárd uralja Pierre Boulez , Luigi Nono , Bruno Maderna , Luciano Berio , Karlheinz Stockhausen körül ... A zeneszerzők új elektronikus technológiákkal kísérleteznek, és így olvadnak az elektronikus zene és a konkrét zene alapjai, különösen Pierre Schaeffer , Karlheinz Stockhausen és Pierre Henry ösztönzésére .

Az Egyesült Államokban John Cage alakja dominál, lényegében koncepcionális megközelítésben, közel a történésekhez , a meghatározhatatlanság közös szál. Ez egyben a Fluxus művészeti mozgalom létrehozásának ideje is , amelynek célja a műalkotás fogalmának határainak meghúzása, amely a minimalistákat is befolyásolja. Az 1950–1960 közötti években John Coltrane és Ornette Coleman hatása alatt megszületett és kialakult az a szabad jazz is, amely a korabeli amerikai zeneszerzőket jelöli.

A népszerű zenét a zenei kontextusban sem lehet figyelmen kívül hagyni. A rock uralom megjelenése , a nyugaton kívüli zenék felfedezése , különös tekintettel az indiai zenére , szintén hatást gyakorolt ​​a minimalistákra.

A minimalista kifejezéssel

A "minimalista" kifejezés eredete a minimalista mozgalom minősítésére továbbra sem világos. Michael Nyman brit zeneszerzőt általában az 1974- es Experimental Music: Cage és azon túl című könyvének köszönhetik .

Nyman azonban már 1968-ban a "minimális" kifejezést használta a Minimal Music című cikkben Cornelius Cardew és Henning Christiansen zeneszerzők munkáiról .

A „minimalista” kifejezést a későbbiekben Nyman nem csak az amerikai áramlat, hanem az angol kísérleti zene (többek között Gavin Bryars , Christopher Hobbs , Michael Parsons …) produkciójának leírására is felhasználja .

A zenekritikus, Tom Johnson 1972 márciusában is használta ezt a kifejezést egy Alvin Lucier- koncert kapcsán . Johnson a minimalista kifejezést használja Steve Reich szerzeményeinek leírására , de a szókincs változik, és néha "hipnotikus zenét" használ . Az újságíró 1977- ben cikket írt „Mi a minimalizmus valójában? Amiben a "minimalista zene" kifejezés mára jól bevált.

A pulzusos zene , a rendszerzene , a folyamatzene , a trance zene , a hipnotikus zene vagy a francia ismétlődő zene , amelyet Franciaországban széles körben használnak, és Steve Reich "kevésbé rossznak" tartja ezt a kifejezést .

A minimalista és még inkább a minim melléknév zavart kelt a minimalista zene természetével kapcsolatban. Bár ez utóbbi parsimon zenei anyagot és a zenei szerkezet bizonyos gazdaságosságát használja, ez a kifejezés rosszul írja le a zene természetét. A darabok valóban nagyon hosszúak lehetnek, sok zenészt igényelhetnek, és a hangszerelés meglehetősen összetett is lehet. Pejoratívnak is tekinthető, abban az értelemben, hogy a minimális zene alacsonyabb rendű lenne, mint a „normál zene”, és kevés kompozíciós erőfeszítést igényelne. További zavart okoz az a tény, hogy a minimalizmus művészettörténészektől kölcsönzött kifejezés, és hogy a minimalista zene nem mindig osztja a hasonlóságokat a vizuális művészetek minimalizmusával .

A zeneszerzők általában egyáltalán nem elégedettek a megnevezéssel. Csak La Monte Young találja megfelelőnek ezt a kifejezést, és csak korai műveihez. Philip Glass a „szándék nélküli zene” , vagy az „ismétlődő felépítésű zene ” kifejezést részesíti előnyben .

Eredet

Előd és befolyás: Erik Satie

A minimalista zene kezdetei megtalálhatók Erik Satie bizonyos műveiben , különösen az ostinato-ban az ismétlődő forma használata , amelyet "az idő ismétlésének eksztatikus túllépéseként, az ugyanannak a szemlélődő megszállottjaként" tekintenek, és amely több kompozíció alapja. A La Première Gnossienne (1890) az első darab, amelyet ismétlődő mintázat alapján írt, és tovább kísérletezett Vexations (1892-1893) misztikus darabjával . Ez utóbbi abból áll, hogy ugyanazt a motívumot egymás után 840 alkalommal ismételjük meg, a darab időtartama legfeljebb húsz óra. A vexációkat John Cage kezdeményezésére először 1963-ban hajtják végre New Yorkban , vagyis a minimalizmus születésének éveiben. A minimalista áramlathoz gyakran társított Meredith Monk 1966-ban egy Satie fesztiválon vesz részt a Vexations előadásában , Gavin Bryars és Christopher Hobbs ugyanezt teszi Leicesterben 1971-ben.

Satie-t a minimalisták idézik referenciaként, főleg Steve Reich . Kacsintás formájában adóznak neki Philip Glass , a Darab egy tér alakjában című darabjával , a Körte alakú három darabra való hivatkozással , valamint a Zene változó részekkel és Einstein a tengerparton. A Satie által korábban használt ABCBCA típusú ívmozgások előrehaladásának egyik formáját veszi fel. Mert Michael Nyman , Satie a „nélkülözhetetlen számos oka” , és úgy véli, hogy legyen az egyetlen előre kísérleti zeneszerző, akinek a munkája elengedhetetlen.

Sorozatosság

Meglepőbb , hogy Arnold Schoenberg tanítványa, a bécsi második iskola tagja , Anton Webern is hatást gyakorolt ​​a minimalista mozgalomra. Különösen a La Monte Youngról , amely a Hat Bagatellák vonósnégyeshez (1913) és a Szimfónia, op. 21 (1928), mint olyan művek, amelyek nagyban segítették neki a sorozattól a minimalizmusig való átmenetet. Azt a tényt, hogy Webern a poszt-serializmus egyik fő hatása is, amely Európában egyidejűleg alakul ki, de gyökeresen eltérő zenei felfogással, a zenetudósok néha "paradoxnak" tartják.

A szerializmus és a Darmstadt iskola alakja , Karlheinz Stockhausen mindazonáltal kapcsolatban áll a minimalista mozgalommal. Úgy működik, mint Stimmung , Mantra és Inori használni minimalista anyagi és szétterítik időben. La Monte Young Stockhausenhez ment tanulni Darmstadtba , és akkor őt tartotta a legnagyobb élő zeneszerzőnek. Terry Riley szintén nagy érdeklődésnek örvend Stockhausen művei iránt, különös tekintettel a Zeitmasze ritmikus bonyolultságára, valamint Arnold Schönbergre .

Általánosságban elmondható, hogy a minimalisták mindannyian ki vannak téve a szerializmusnak, Steve Reich a Mills College hallgatójaként , aki azonnal úgy érezte, hogy minél előbb meg kell térnie tőle, vagy Philip Glass, aki 18 évig atonális műveket állít össze, mielőtt a stílust megváltoztatja. .

Amerikai avantgárd

John Cage nagy befolyással rendelkezett a minimalizmus születési éveiben. Az Egyesült Államok legfontosabb avantgárd és kísérleti zeneszerzője , elképzeléseinek közvetlen vagy közvetett következményei vannak a minimalisták munkájára. Cage egyes darabjai a minimalizmushoz kapcsolódhatnak, nevezetesen első szerzeményei, vagy a híres 1952- ből származó 4'33 ″ , a lehető legkevesebb kompozíció, mivel teljes egészében csendből áll. Cage azonban nagyon kritikus a minimalizmus iránt, és az általa preferált technikát, a határozatlanságot (vagy nem szándékosságot), vagyis a véletlenszerűség alkalmazását a művekben vagy magában a kompozíció folyamatában a minimalisták határozottan elutasítják.

Könyvében Kísérleti Zene: Cage és azon túl , Michael Nyman világosan jelent minimalizmus egy poszt-Cage összefüggésben arra reagálva, a határozatlansági kedves az utóbbi. A zenetudósok azonban megjegyezték hasonlóságokat Cage munkásságával, elsősorban a szerkezet, nem pedig az anyag iránti érdeklődés, az a tény, hogy a zenét kompozíciós folyamatok hozzák létre, és a zenei kifejezés elkerüli a beállítást. zeneszerző fantáziája.

Cage generációjának egy másik minimalistahoz kötődő amerikai zeneszerzője Morton Feldman . Feldman határozatlanságot és véletlenszerűséget is használ műveiben, de a tartós hangok és a nyugodt, lapos hangzásképek vonzzák. Bár általában nem tekintendő minimalista, néhány saját darab, különösen Piece Négy zongorára (1957), hasonlíthatnak később Steve Reich darab segítségével fáziseltolódásában . Reich felismeri Feldman iránti rajongását is.

Extra nyugati zene

Az 1950 / 1960-as években Nyugat-Európa és az Egyesült Államok felfedezte a nyugaton kívüli zenét . Ez az általában divatra épülő zene minden minimalista zeneszerzőre hatással lesz.

Élet a West Coast , La Monte Young felfedezett indiai zene 1957-ben az UCLA egyetemen . Különösen feltűnőnek nevezi Ali Akbar Khant ( sarod ) és Chatur Lalt ( tabla ). Az indiai zene döntő hatással lesz Youngra, és különösen a tampoura felfedezésére , amelyet Pandit Prân Nath -nál tanult meg . A tampoura drón szerepe elbűvöli Young-ot, és érdeklődését a tartós hangok felé tereli. Young felismeri a japán zene és különösen a gagaku hatását is . Ezt a hatást gyakorolja a minimalizmus születési anyakönyvi kivonatának számító darab, a Trio for Strings (1958).

Terry Riley extrém nyugati zenét fedezett fel Európában töltött tartózkodása alatt, különös tekintettel a marokkói zenére , valamint az indiai zenére a La Monte Youngon keresztül. Együttműködött Prân Nath-tal a CD Music from Mills-től (1986).

Mert Steve Reich , ez volt William Austin órákat Cornell vezette be őt a világzene. Austin afrikai és balinéz zenéket hallgat rá hallgatóira , ami abban az időben meglehetősen ritka volt. Ajánlása alapján Gunther Schuller , Reich tanulmányozta a könyvet Tanulmányok az afrikai zene által Arthur Morris Jones , ami egy erős benyomást tett rá. 1970-ben úgy döntött, hogy nyáron ütőhangszereket tanul Ghánában , ami megerősítette megérzéseit az akusztikus hangszerek gazdag hangzásáról (szemben az elektronikus hangszerekkel) és az ütőhangszerek iránti erős érdeklődéséről. A Dobolás című darab ( 1971 ) részben ennek az útnak az eredménye. A Nexus zenei zenészei, Russell Hartenberger és Robert Becker , a Reich hangszeres együttesének állandó tagjai afrikai dobolást is tanultak. 1973 és 1974 nyarán Reich a balinéz gamelánt is tanulmányozta az Egyesült Államok nyugati partvidékén. Reich 1973-ban kijelentette, hogy „a nyugati zeneszerzők és zenészek számára jelenleg a nem nyugati zene az új ötletek inspirációs forrása” .

Mert Philip Glass , ez volt a találkozó Ravi Shankar Párizsban 1965-ben vezette be őt az indiai zenét. Felfedezi azt az alapelvet, hogy a kis zenei egységek nagyobb egységekké halmozódnak fel, ami erősen befolyásolja zeneszerzését. A Glass számos utat tesz Indiába az ország különböző részein, hogy felfedezze zenéjét és kultúráját.

Dzsessz

A jazz nagyon fontos a minimalista számára. Mindenki ismeri a befolyását, és különösen a modális jazz a John Coltrane , free jazz és Ornette Coleman .

Az improvizáció központi szerepet játszik Terry Riley-ben , akárcsak La Monte Young . Ez utóbbi szaxofonos és hangszeres jazz-tapasztalattal rendelkezik, elsősorban középiskolás és egyetemi éveiben gyakorolta. A Los Angeles-i , játszott big band és a kisebb képződmények, különösen Eric Dolphy , Don Cherry , Billy Higgins , és fontolóra szenteli magát a jazz. Műveiben jól látható a jazz hatása, különös tekintettel a szopraninos szaxofonon játszott játékára vagy az improvizációs formák iránti érdeklődésre. Riley zongoraművész, Wall Rose-nál tanult ragtime- ot , és főiskolai hallgatóként, valamint Franciaországban élve játszotta. Riley-t lenyűgözte John Coltrane is, amely inspirálta többek között a szopránszaxofon megtanulását .

Mert Steve Reich , jazz is jelentős befolyást. Reich edzőként dobos, a középiskolában és a Cornell Egyetemen jazz csoportokban lépett fel . John Coltrane rendkívüli módon megkülönböztette, gyakran látogatta koncerten, és különösen szembetűnőnek említi a My Favorite Things és az Africa / Brass albumokat . Reich számára elképzelhetetlen, hogy zenéje a jazz nélkül is napvilágot láthatna, különös tekintettel a jazz ritmusára , rugalmasságára és dallamérzetére, amely számára alapvető hatásoknak tűnik.

Kollégáival ellentétben a kizárólag klasszikus zenei felkészültséggel rendelkező Philip Glass nem a jazz-et tekinti egyik hatásának, pedig elismeri, hogy elbűvölte Ornette Coleman és John Coltrane szabad dzsesszje.

Minimalista mozgás

A minimalista mozgalom az 1960-as években jelent meg La Monte Young és Terry Riley munkásságával , akiket előfutárnak tekintettek. Steve Reich és Philip Glass kibővítik ötleteiket, és olyan kompozíciós folyamatokkal állnak elő, amelyek nagyon sikeresnek bizonyulnak.

A minimalizmus azonban csak e zeneszerzők műveinek egy részét érinti, és az általánosan definiált minimalizmus úgy tekinthető, hogy az 1970-es évek közepe táján véget ér: gazdagabb zenei elemek, több dallam és harmónia, sőt ellenpont is . Ezen elemek hozzáadása - anélkül, hogy szakítana korábbi munkájukkal - egyértelmű fejlődést hoz. Néha posztminimalizmusról beszélünk, különösen John Adams esetében . Philip Glass kifejezetten azt mondja, hogy számára a minimalizmus 1974-ben ér véget, annak az időtől fogva teljes mértékben részt vesz a "zenés színházban" .

Azok a személyiségek, akiket néha "misztikus minimalistáknak" hívnak , mint például Arvo Pärt , aki az 1970-es évek végén jelent meg, másrészt nem az amerikai ismétlések közvetlen örökösei, hanem a poszt-minimalizmus zászlaja alatt is szerepelnek, vagy általánosabban a posztmodern.

Előd zeneszerző: La Monte Young és Terry Riley

La Monte Youngot általában a minimalista mozgalom kezdeményezőjeként tartják számon , különösképpen a Trio for Strings ( 1958 ) című darabjával . Young akkoriban Webern ihlette , és szinte statikus hanguniverzumot hozott létre, hosszú perceken át tartott hangokkal és nagyon kevés evolúcióval. Ez a darab Young alapjául szolgál majd a jövőbeni drónokkal kapcsolatos munkájában is , és ez az úgynevezett drón zenei mozgalom egyik eredete . Young azonban még mindig a 12 tónusú rendszerrel komponál , bár különbözik tőle a folyamatos akkordok és a tökéletes akkordokon és a fő hetedeken alapuló intervallumok használatával . A Trio for Strings a korábbiakhoz hasonlóan zenét produkál, meditatív, " túlvilági " légkört teremtve .

Ez volt Terry Riley , aki bevezette két alapvető eleme a minimalizmus: visszatérés a tonális zene és az ismétlés zenei motívumok. A Vonósnégyesben (1960) Riley megközelíti a kulcsot, miközben erősen támaszkodik La Monte Youngra, hosszú ideig tartó hangjegyekkel. A String Trióban (1961) mutatta be Riley először a minták ismétlésén alapuló struktúrát. Az ismétlés használata részben azokból a kísérletekből származik, amelyeket Riley akkor szalagokkal végzett a San Francisco-i Tape Music Centerben .

De mindenekelőtt az In C ( 1964 ) az, amely fontos állomást jelent a minimalista zene meghatározásában. A cím különösen provokatívnak tekinthető a soros avantgárd számára, mivel visszatérésről szól a tonális zene mellett, a lehető legegyszerűbb C-dúr kulcsban . C betűvel írva tetszőleges számú zenészre és bármilyen hangszerre. A darab 53 zenei motívummal rendelkezik, amelyeket minden előadó annyi alkalommal ismételget, amennyit csak akar, néhány ajánlást követve. A C-ben általában a minimalizmus alapművének tekintik, amely magában foglalja az összes elemét: a szabályos lüktetést, a tónusos zenét és a rövid ismétlődő minták halmazát, olyan elemeket, amelyek önmagukban hoznak létre zenei univerzumot. A művet a Columbia Records rögzítette , amely 1968-ban adott ki CD-t. Széles körben terjesztették és adták elő, nevezetesen a japán Toru Takemitsu és az angliai Cornelius Cardew .

Ismétlődő zeneszerzők: Steve Reich és Philip Glass

Riley szalagokkal és In C-vel végzett kísérletei alapvető hatással vannak Steve Reichre . Ez zenészként részt vesz az In C létrehozásában , és felismeri, hogy a darab az afrikai zene elemeinek, John Coltrane közreműködésének és a mágneses szalagok próbáinak összefogásával erősen segített neki megtalálni a saját útját, különösen Ez a Gonna Rain ( 1965 ). Steve Reich ebből a darabból fejleszti a fáziseltolás / fázis elnevezésű technikát . Először a mágneses szalagokra vitték fel, majd a zeneszerző akusztikus hangszereken kísérletezett a technikával, amely különösen a Piano Phase ( 1967 ), a Violin Phase ( 1967 ) darabokat adja . Reich 1971-ig továbbra is alkalmazná a fázisváltási folyamatot, és Drumming ( 1971 ) átmeneti munkának tekintette. A „fáziszene” kifejezést néha ebből a technikából írt zene jelölésére használják, amely a zeneszerző művében az úgynevezett „korai minimalizmus” korszakát képezi . Ezt az időszakot követően, Reich eltávolodott egyszerű bevezetési technikák írni ambiciózusabb munkák a műszeres mérete, időtartama és technikák, elsősorban fejlődő kutatásai felé harmónia és a ritmikus lüktetés. Ez az úgynevezett „érett minimalizmus” időszak a Zene 18 zenésznek ( 1976 ) vagy a Zene nagy együtteshez ( 1978 ) darabokkal tetőzött . A harmadik időszak készítmény kezdődik darabok, mint Tehillim ( 1981 ), de elsősorban a Desert Music ( 1984 ) és a Different Trains ( 1988 ), amely jelöli mind a használata hang és beszéd, mint egy írás közegben. A „ beszéddallam ”, hanem a zeneszerző világos filozófiai és szellemi elkötelezettsége későbbi kompozícióiban is.

Philip Glass , időszak után próbálgatással a stilisztikai kutatás az 1960-as évek jellemző az egyszerű használat az ismétlés / felhalmozási folyamatok (mint a Két oldal és zene egy-egy ötöde ), el nagy előrelépést jelent a hangszín és d harmónia a Music with Changing Parts ( 1970 ) című kompozícióval, amely az úgynevezett „érett minimalizmus” kompozícióinak kezdetét jelenti . Ebben az irányban folytatja új zenei alapjainak betetőzésével a Zene tizenkét részben című műben ( 1974 ). Karrierje fordulópontja 1973-ban következett be Bob Wilson rendező találkozóján, aki felkérte őt, hogy állítsa össze az Einstein a tengerparton ( 1976 ) című operamaraton zenéjét . Ez a mű képezi majd híres lírai trilógiájának első részét, kiegészítve Satyagraha ( 1980 ) és Akhnaten ( 1984 ) című munkával , amelyben fokozatosan megjelennek a Glass kompozícióira annyira jellemző tematikus motívumok. Az 1980-as évek közepétől a hat kvartett , a kilenc szimfónia és a hat koncert hangos megírása felé mozdult el , variálva azokat a témákat és ritmusokat, amelyek ma már a védjegyét képviselik, azonnal azonosíthatók, de eltávolodtak a minimalista mozgalom minden új formális kutatásától. Másrészt egyre népszerűbb a nagyközönség körében, különösen a pop-zene és a mozi világának köszönhetően, amely nagyrészt eredeti alkotásait használja fel, ellentétben Steve Reich-kel, aki a klasszikus musical tekintélye és referenciafigurája. világ.

Sok más zeneszerző vett részt a minimalista zene fejlesztésében New Yorkban az 1960-as és 1970-es években . Philip Glass különösen ragaszkodik ahhoz a tényhez, hogy nagy vitalitás és sokféle ötlet volt, melyhez Meredith Monk , Frederic Rzewski , Pauline Oliveros , James Tenney , Nagy Palesztina , Terry Jennings , Philip Corner , David Behrman , Jon Gibson erősen hozzájárult. , Phill Niblock , Rhys Chatham , Ingram Marshall . Glass sajnálja, hogy ezeknek a zeneszerzőknek nem volt ugyanolyan médiafelfogása, mint neki vagy Steve Reichnek. Ezen a New York-i közösségen kívül a minimalizmushoz közeledő, vagy közvetlenül az amerikaiak művei által ihletett alkotások fejlődnek Európában  : Louis Andriessen Hollandiában, Gavin Bryars és Michael Nyman Nagy-Britanniában, Renaud Gagneux és Bruno Letort Franciaországban.

Posztminimalizmus és posztmodern

A zenei posztmodernizmus elutasító magatartás az elszigeteltséggel és a hermetikus poszt-szerializmussal szemben, a posztmodern zeneszerzők félrevezetést állítanak, és a keverék kollázs technikát, kölcsönkérést és idézetet alkot. Ahol a poszt-serializmusnak a múlt tiszta letakarását kellett volna tennie Pierre Boulez kifejezésének felhasználására , a posztmodernizmus ezt referenciának tekinti. Így John Adams úgy véli, hogy zenéjét "nemcsak a minimalizmus táplálja , hanem Alban Berg , Stravinsky , rock'n roll , arab , zsidó zene stb." " . Visszatérve a dallamos és tónusos formákhoz, az ismétlődő nyelv használatához, a kollázs és az idézet használatához, mindezen jellemzőkben a minimalizmus a poszt-serializmussal való szakításában a posztmodernizmus legradikálisabb áramlata.

A posztminimalizmus a korai minimalista zeneszerzőket is érinti. Miután dobolás ( 1971 ), Reich gazdagította a műszereket darabját, és tette ritmikus és harmonikus módszerek irányába fejlődött tovább bonyolultságát. Hasonlóképpen, Philip Glass kezdett komponálni „zenés színház” és opera 1974-től az aggodalmak, hogy eltávolodott a minimalizmus, különösen a használata a harmónia, mint opera. Einstein on the Beach ( 1976 ), amely jelek ezt a fejlődést. A posztminimalizmus tehát kevésbé tűnik radikálisnak és kísérletezőnek a minimalizmus közül.

A "misztikus minimalisták"

Ezeket a zeneszerzőket néha csoportosítják és összekapcsolják a minimalista mozgalommal, mivel bizonyos stílusbeli kompozíciós elveket alkalmaznak (ismétlés, régóta tartott hangok, elhallgattatások, bizonyos egyszerűség), és nyíltan állítják, hogy keresztény vagy spirituális vallási befolyásuk van életükben. kompozícióikban. Alan Hovhaness látszólag néha előfutára ez a tendencia, de mindenekelőtt az észt Arvo Pärt , a lengyel Henryk Górecki , és a brit John Tavener akik általában együtt járó „misztikus minimalizmus” . Tágabb értelemben néha Giya Kancheli és Sofia Goubaïdoulina is megmarad a minimalizmus ezen ágában.

Pärt és Górecki műveire a tonalitás, a gyakran ismételten használt egyszerű zenei anyag, valamint a középkor és a gregorián síkság zeneszerzői által befolyásolt kompozíciók jellemzők . Mindkettő, amelyet a kommunista rezsim alatt álló országaikban erősen jellemeznek a politikai és szellemi elnyomás, az 1960-as években kezdtek újklasszikus stílusban komponálni, mielőtt a szerializmus felé mozdultak volna el, és ezzel a hatóságok részéről cenzúrát okoztak. Pärt ezután a csend és a töprengés zenéjére tér át Für Alina ( 1976 ), Fratres ( 1977 ) és Spiegel im Spiegel ( 1978 ) megalkotásával , megalapozva ennek a belső mozgalomnak a minimalizmusban alkotásait, amelyek megalapozzák a stílus alapjait. tintinnabulumnak írja le . Ezt a stílust két hang egyidejű használata jellemzi, az egyik a „tintinnabulante” elnevezésű tónus triádon vesz részt, a másik pedig a diatonikus módon fejlődő basszuson nyugszik. Munkája ezért a szakrális zene szinte kizárólagos írása felé fordult , leggyakrabban kórusként, kifejlesztve a "dalok fényességét" . Górecki a maga részéről 1976-ban lépett át a sorozatzene és a szent minimalizmus között , nevezetesen harmadik szimfóniájának megírásával, amelynek néhány évvel később Nyugat-Európában és az Egyesült Államokban nagyon nagy hatása lenne, ezzel megalapozva nemzetközi ismertségét.

Zenei leírás

A minimalista zenének minősített művek összessége korántsem rendelkezik stílusegységgel vagy teljesen azonos zenei jellemzőkkel. Bár az osztályozás mindig reduktív, mégis általánosan elfogadott, hogy a minimalista zene esztétikája három jellemzőn alapul:

Ez azonban nagyon változatos profilú műveket és különböző zenei technikákat alkalmaz. Ugyanígy az úgynevezett minimalista zeneszerzők művei sem tekinthetők mind minimalistának, különös tekintettel Steve Reich és Philip Glass utolsó műveire , vagy a La Monte Young első (gyakran nem zenei) darabjaira .

Az elmélet és az intuíció között

A minimalizmus úttörői, La Monte Young és Terry Riley , sokféle kompozíciós technikával kísérleteztek. A La Monte Young különösen sokféle művet állít elő: a serializmus és a Webern által inspirált darabokat, John Cage-hez közeli konceptuális darabokat , az indiai zene és a jazz által ihletett improvizációs csoportokat , a természeti tartományokra vonatkozó hivatalos kutatásain alapuló darabokat . Terry Riley sokkal empirikusabb, mágneses szalagokkal kísérletezik , és sokat használ improvizációt .

Az ötvenes évek végén La Monte Young körforgalmi úton használta a sorozatot , hogy létrehozzon egy új stílust, amely hosszú kvázi-statikus periódusokból áll, hosszú tartós hangokból áll. Az intervallumok megválasztása kompozícióit is jellemzővé teszi. Már 1957-ben és a Variációk a brácsa, fuvola, fagott, hárfa és vonóshármas mellett Young főként tisztességes negyedeket és ötödiket , valamint főbb hetediket használt , amelyek számos kompozícióban megtalálhatók, például a Brass ( 1957 ) esetében. és főleg a Trio for Strings ( 1958 ), amelyet Young minimalista korszakának fő darabjának tartanak.

Young harmonikus nyelve részben ezekre az intervallumokra épül, valamint a fő harmad elkerülésére , amely szerinte nem fejezi ki a kívánt érzéseket. Young négy akkordot izolál  , amelyeket „ Álom akkordoknak ” nevez  , amelyek harmonikus nyelvének alapjává válnak. A nagy harmad elhagyása ezután elméleti igazolást kap a természetes léptékű formális kutatásával . 1961-től La Monte Young improvizációt alkalmazott a szopraninos szaxofonon , nagy sebességgel ismételve a modális szekvenciákat , egy drón kíséretében , ahol észrevehető John Coltrane és az indiai zene hatása.

Fontos része a Terry Riley munka aggodalmak mágnesszalagok , amelyeken ő rögzíti magát a zongora, rögzíti a beszéd, nevetés, különösen a hangok, vagy rádióműsorok, és ezeket használja, mint egy hurok, hogy van. Azaz, abban a formában rövid ismétlődő minták. Számos technikával kísérletezik e szalagok manipulálására, késleltetett ismétléssel visszhang effektusok létrehozására szolgáló eszköz használatával, a hangok frekvenciájának megváltoztatásával a szalagok sebességének megváltoztatásával, fokozatosan vagy hirtelen, véletlenszerűen vágja le a szalag darabjait, és reméli, hogy érdekes jelenségeket generálni. Lényegében a minták megismétlése áll Riley kísérleteinek középpontjában, a minták megismétlése, amelyet instrumentalisták is játszanak, mint In C-ben ( 1964 ). Riley megközelítése inkább intuitív és kísérleti jellegű, mint strukturált, azonban a zeneszerző megpróbál „elvont élményt” produkálni a hallgató számára, amelyben a kezdetben felismerhető hangok fokozatosan eltorzulnak, amíg már nem azonosíthatók.

Riley munkájának másik jellemzője az improvizáció és a jazz hangsúlyozása . A zeneszerző néha jazz standardokat alkalmaz , például az őszi leveleket , és kifejleszti a zongora improvizáció sajátos stílusát, amelyet részben a ragtime befolyásol . Az In C utáni darabjainak többsége már nincs besorolva, részben improvizált, részben előre meghatározott zenei motívumok együtteséből épül fel, amelyeket tetszés szerint ismételnek meg, mint például az 1. billentyűzet tanulmányban és a 2. billentyűzet tanulmányban . A mintákat gyorsan, szünet nélkül játsszák, hogy a hangsúlytalan jegyzetek folyamatos áramlását kapják. Riley a szopránszaxofonon is improvizál , nevezetesen a Dorian Reeds , Poppy Nogood és a Phantom Band című filmekben , amelyekben ismétlődő minták és mágneses szalagok segítségével hozzák létre a visszhangot, és összetett ellenpont- effektusokat generálnak az ének keverésével.

Hallható tárcsázási folyamat

Terry Riley nagyon intuitív megközelítésével ellentétben Steve Reich és Philip Glass szigorú kompozíciós folyamatokat határoz meg, amelyek segítenek munkáik strukturálásában. Reichet általában a legtehetségesebbnek és a legszigorúbbnak tartják az ilyen eljárások meghatározásában.

Steve Reich 1968-ban a Zene mint fokozatos folyamat című esszéjében kifejti szándékát, hogy a hallgató zenei folyamatot halljon. Ha felveszi a folyamat által létrehozott kompozíció gondolatát, akkor szemben áll John Cage-lel , akinek néhány kompozíciója a kompozíció felépítésének véletlenszerű folyamatain alapszik. Reich hallhatóvá akarja tenni a játék építésének folyamatát. A Cage-vel való disszociáció másik fontos eleme a határozatlanság elutasítása: Reich folyamatai tisztán determinisztikusak, a véletlenszerűségnek nincs szerepe.

Ezek a gondolatok vezetnek készítmény folyamat Reich kéri „  fokozatos  ” (fáziseltolódás franciául). Ez a kompozíciós folyamat, amely megközelítheti a hordó klasszikus formáját , számos rossz minőségű magnóval végzett munkájából származik, amelyek fokozatosan elvesztették szinkronosságukat. A fázis rövid zenei mintákból épül fel, többször ad libitum által megismételve , és abból áll, hogy fokozatosan bevezetik az eltolódást e hangok között, és fázistolást hoznak létre. A hangok közötti fáziseltolódás előrehaladása a darab előrehaladtával új zenei struktúrákat hoz létre, bonyolítja vagy leegyszerűsíti a ritmusokat és harmóniákat, hatékonyan benyomást keltve a zeneszerző által kívánt hangok keverésének fizikai folyamatáról. A hangok fázistolással történő rétege néha olyan bonyolult, hogy a darab hallgatása két ember, sőt egy ember által két hallgatási élmény között is eltérő hangfelfogást eredményezhet. A hegedűs fázistól ( 1967 ) Reich kezdi kiaknázni a fáziseltolódás "pszicho-akusztikus melléktermékeit" (vagy ezekből fakadó mintázatokat), vagyis azokat a mintákat, amelyeket az alapvető minták kombinációja spontán formál. Megnehezíti a helyzetet azáltal is, hogy olyan specifikus motívumokat vezet be, amelyeket kifejezetten el kell játszani az instrumentalisták által, amelyeket alkalmanként hozzáadnak a természetesen képződőkhöz, vagy olyan dallamos vonalakkal, amelyek nem követik az alapmotívumok időbeli megosztását.

Philip Glass munkája szintén a szisztematikus kompozíció folyamatán alapszik, amelyet a hallgató hallhat. Az üveg 1968-tól meghatározza az alapminták összeadásán / kivonásán alapuló folyamatot, ezeket két vagy több más mintára osztva. A pontszám meghatározza a mintákat, majd csak megjegyzi azok meghosszabbítását / összehúzódását. A minták e csoportosításából származó ábrákat meghatározatlan számú alkalommal meg kell ismételni. Hasonlóképpen, a műszereket és a fokozatokat nem adják meg.

Youngtól vagy akár Riley-től eltérően Reich és Glass határozottan elutasítják zenéjük bármilyen hipnotikus vagy meditatív értelmezését, és elutasítanak minden "zenei transz" kifejezést, amelyet pejoratívnak tekintenek. Épp ellenkezőleg, úgy vélik, hogy a hallgatásnak különösen aktívnak és ébernek kell lennie ahhoz, hogy meghallgassa a végrehajtott folyamatok részleteit.

Zenei jellemzők

Ritmus

A minimalisták körében nagy gondot jelent a tempó. A legtöbb kompozíció szabályos ütemű, és az alapvető ritmikai egységek összefonódásával épül fel. Ezeket a ritmikai megfontolásokat Steve Reich különösen hangsúlyozza, és a fáziseltolásos technika révén valósulnak meg . A dobolás ( 1971 ) jelenti Reich ritmus iránti rajongásának csúcspontját, amelyet fokozatosan fejeznek ki. Philip Glass-szel a ritmusról szóló munka első minimalista darabjaiból származik additív kompozíciós folyamatának felhasználásával, nevezetesen az 1 + 1 ( 1968 ) darabban .

A ritmus tehát az első elem, amelyet a minimalisták szisztematikusan elemeznek, a harmónia és a dallam jövőbeli újbóli integrálása előtt.

Harmónia

A minimalisták első művei atonalisak , Young Hármashármasa (1958), Riley Vonósnégyese (1960), még akkor is, ha a rendkívül lassú evolúció és az alacsony hangsűrűség a tonalitás illúzióját adja, szinte minden mozgást megszüntetve. Még In C , ami általában úgy, hogy a munka a visszatérő tonalitás, nem feltétlenül tonális, hanem egy atonális készítmény nincs kulcs aláírást , bár a készítmény nagyrészt diatonikus .

A mágneses szalagok fokozatos elhagyása az akusztikus eszközök javára elősegíti a harmónia fejlődését. Steve Reich-szel, a Piano Phase-től , a munka kezdetén egy tonális vagy modális profil jön létre, de továbbra is kétértelmű. A diatonism eredő fokozatos folyamatok kiválasztása nem a priori, hanem inkább által kivetett tapasztalat.

Regisztráljon és dinamikus legyen

A Young and Riley-nél a basszus drón szerepet játszik , az indiai zene ihlette. Steve Reichnél nincs basszus, és a hangmagasságok általában a közepes regiszterhez tartoznak (a zongora fázisnak nincs hangja az E 4 alatt , a fázis minták a C 4 alatt ). A basszus hiánya bizonyos kétértelműségeket eredményez, amelyeket Reich meg akar őrizni, miközben nem tudja, hogyan határozza meg őket pontosan. Ugyanígy a minimalisták egyáltalán nem alkalmaznak kiterjedt játéktechnikákat , amelyek nagyon jelen vannak a kortárs zene más áramlataiban .

Az árnyalatok általában nagyon keveset változnak, ha egyáltalán. A hangszint gyakran nagyon magas, például a La Monte Young egyes darabjainál, illetve a Glass-nál, ahol érzékeljük a rock hatását .

Végrehajtás

Könnyen meghallgatható, ismétlődő zene megtévesztően könnyű előadni. A Reich-fázisváltási folyamatok nagy koncentrációt igényelnek az instrumentalisták részéről. Hasonlóképpen, Glass beszámol arról, hogy több olyan karmester, akik felkészületlenül érkeztek a próbákra, túl későn jöttek rá kottájuk nehézségére. A zeneszerző távollétében a kottákat nem mindig könnyű megfejteni az előadók számára, mivel a jelzések hiánya vagy az egyértelműség hiánya miatt megköveteli a találékonyságot.

Kapcsolatok a képzőművészettel

Tánc

A tánc, amely természeténél fogva mindig szorosan kapcsolódott korának zenei alkotásaihoz, nem kerüli el a minimalista zene hatását, különösen az ismétlés fogalma és használata körül. Bizonyos értelemben a minimalista zene táncra gyakorolt ​​hatásának eredete John Cage és Merce Cunningham amerikai koreográfus együttműködésével kezdődött az ötvenes évek elején, a modern tánc születésekor . Általa Cunningham is találkozott Morton Feldman , aki zenét komponált neki innovatív koreográfia, mint Untitled Melody a Merce Cunningham a 1968 . Sőt, egy csoport, amely egyrészt táncosok Simone Forti , Yvonne Rainer , Trisha Brown és más zeneszerzők Terry Riley és La Monte Young körül van kialakítva Halprin 1960 és 1962 között, hogy elérjék a teljesítmény , beleértve a Judson Church in New York . Ez azonban Trisha Brown , aki tovább fogja vizsgálni a elve az ismétlés és az egymást követő felhalmozódása koreográfiai mozgások ebben az időszakban a modern tánc. Meredith Monk , aki szintén táncos, később csatlakozik ehhez a csoporthoz, ahol mind zenei kutatásait, mind koreográfiai alkotásait kombinálhatja a kifinomultabb mozgásra és egy bizonyos spirituális transzra orientált előadásokban.

A minimalizmus első évei után szoros kapcsolat alakult ki a tánc és ez a zenei mozgalom között Lucinda Childsnak , Cunningham egyik hallgatójának köszönhetően, aki Anna Halprin csoportjával való kapcsolattartása után az 1970-es évek végén intenzíven együttműködött Philip Glass- szal az operájáért Einstein a tengerparton (1976). Ezután két Dance (1979) és Mad Rush (1981) koreográfiáját adja elő a New York-i zeneszerzőtől megrendelt homonim kompozíciókon ( Dance és Mad Rush ). Lucinda Childs munkáját a minimalizmus kutatásának különböző aspektusai érdeklik, a dekorációk és képek terén széleskörű együttműködéssel, Sol LeWitt plasztikus művészrel , a képi minimalizmus egyik bajnokával . Twyla Tharp is gyakran használják a készítmények az üveg, amelyben megbízta a 4 th Symphony úgynevezett „Heroes” 1996-ban a névrokon balett. Hasonlóképpen, Laura Dean 1971 és 1975 között dolgozott Steve Reich- szel , nevezetesen a Dobolás című kompozíció első koreográfiáján . Ezek a koreográfiák, bár ismétlődő elemeket és váltásokat használnak, nem minősíthetők teljes egészében minimalistának, a zene továbbra is egy viszonylag hagyományos és gazdag koreográfiai alkotás támasza marad.

A minimalista zene közvetlen hatása a koreográfiai alkotás folyamatában tulajdonképpen összefüggésben áll Anne Teresa De Keersmaeker belga kortárs tánckoreográfus Steve Reich műveinek felfedezésével és felhasználásával, a New York-i Tisch Művészeti Iskolában folytatott tanulmányai során . . 1980 és 1982 között megalkotta a Fase, négy tétel Steve Reich zenéjére alapító darabját , amelyben tovább elméleti fáziszene hozzájárulását a tánchoz azáltal, hogy valóban megmutatta a fázis / fázisváltás alapelveit, amelyeket Reich fejlesztett ki korai Zongora című kompozícióiban. fázis , Violin Phase , tapsoló zene , és a Come Out . Közötti szoros kapcsolatot, De Keersmaeker és Reich zenéje ezért kell állandóan megújul számos alkotás a belga koreográfus, mint a következő évtizedekben, különösen a balett dobolás (1998) névadó készítmény dobolás és Rain (2001) szóló zene 18 Musicians . Steve Reich majd speciálisan össze a darab Dance Patterns in 2002 létrehozására Counter mondatok által De Keersmaeker ami viszont tisztelegni neki megnyitja a New York-i ünnepségek ünnepli a 70 éves birodalmi 2006-ban egy speciálisan dedikált teremtés című Steve Reich Este .

Ezen túlmenően, a svéd koreográfus Mats Ek kapcsolva egy ideig felé „misztikus minimalizmus” által alkotó 1995-ben a duo füst számára Sylvie Guillem , amely használja a készítmények Für Alina és Spiegel im Spiegel által Pärt . A közelmúltban Christopher Wheeldon brit koreográfus neoklasszikus stílusban írt műveihez különösképpen felhasználta az összes nagy név kompozícióit minimalizmusban.

Plasztikus művészetek

A minimalista zeneszerzők szoros kapcsolatot ápolnak a képzőművészekkel, különösen a minimalista mozgalommal és a konceptuális művészettel . Steve Reich és Philip Glass nagyon jó barátságot ápolt Richard Serrával , Sol Le Witt- tel , Bruce Naumannal , Michael Snow -val vagy Nancy Graves- szel . Reich a Zene mint fokozatos folyamat című esszéjét (1968) írta, amely 1969-ben a Whitney Múzeumban található műanyag barátai mellett egy minimalizmust bemutató nagy kiállítás katalógusában szerepelt, és amelynek során Glass-szal koncertezett. Másrészt egy olyan mű, mint Reich Pendulum Music , amelyben Serra, Nauman és Snow előadóként vesznek részt, nagyobb teljesítmény, mint a tényleges zene. Steve Reich felismeri a plasztikus művészek és alkotásai közötti „közös hozzáállást” , amelyet műveik „geometriai és metaforikus” aspektusa jellemez , de nincs közvetlen kölcsönös hatás. Azt mondja: „éppen ugyanabban a levesben úsztunk” . 1977-ben néhány művész részt vett műveinek eladásában, hogy megmentsék az Einstein tengerparti gyülekezéséből származó üveg adósságait . Végül Glass 1969-ben Richard Serra teljes munkaidős személyi asszisztense volt. Glass azonban nem hoz közvetlen kapcsolatot zenészi munkája és műanyag művész barátai munkái között.

A La Monte Young a fogalmi darabok készítésének ideje alatt néhány rövid kapcsolatot tartott fenn a Fluxus mozgalommal . 1959-1961 között műveit a Fluxus fesztiválokon adták elő, néhány darabját, köztük a Húrok trióját a mozgalom publikálta. Young azonban 1963-ban elköltözött a Fluxustól. Másrészt rendszeresen dolgozott feleségével, Marian Zazeela képzőművésszel , aki vizuális installációkat nyújtott, nevezetesen A jól hangolt zongora vagy az Örök Zene Színháza számára .

Audiovizuális

A mozi és általánosabban az audiovizuális szektor az 1980-as évek eleje óta gyakran kölcsönözte minimalista zeneszerzők műveit filmek, dokumentumfilmek, videoművészet, televíziós reklámok és kreditek hanghordozóiként . Philip Glass és Arvo Pärt minden bizonnyal azok a zeneszerzők, akik leginkább megengedték, hogy darabjaikat filmzenékként használják , sőt, különösen egy rendező kérésére komponáltak. Így köszönhetünk Philip Glass az igazán eredeti filmzenét a három film a Qatsi trilógia által Godfrey Reggio (1982-2002), Mishima: A Life in Four fejezetek szerint Paul Schrader (1985), valamint Kundun által Martin Scorsese ( 1997 ) .. Ugyancsak utólag készítette az 1931- es Dracula film zenéjét , és számos alkalommal közreműködött Errol Morris filmjeinek és dokumentumfilmjeinek zenéjében azáltal, hogy elérhetővé tette és újraszervezte korábbi szerzeményeit. Ezen kívül Glass is dolgozott intenzíven rendező Bob Wilson létrehozására ambiciózus mutatja, keverés opera, videó, színház, nevezetesen Einstein on the Beach (1976) vagy a polgárháborúk (1984) támogatta. A nyitó ünnepségén a Los Angeles-i olimpia . Az észt Pärt vonatkozásában nem a mozi számára készített eredeti kompozíciókról van szó (bár pályafutása elején számos hangsávot komponált, de nem minimalista stílusban), hanem a műveinek felhasználására vonatkozó engedélyekről.

Ezen túlmenően, Steve Reich már számos alkalommal dolgozott bensőséges kapcsolata feleségével, a videó művész Beryl Korot , a közös létrehozása a munka integrálása a pillanattól kezdve az ő zenei írás használata a képet. Többcsatornás videolejátszás az ismétlés elvén. Ebből a kutatásból, amely az 1990-es évek elején kezdődött , két videooperát ( a barlangot 1993-ban és a három mesét 2001-ben) eredményeztek, beleértve a színpadi előadást (mindkettőhöz) és a felvételt (csak a másodikhoz). a kapcsolódó videók közül.

Egyéb zenék

Használata ismétlés a struktúra is használják popzene, a közzététel 1967 a banán rekord a Velvet Underground , a híres pop zenekar által termelt Andy Warhol . Az ötletek közvetlenül a minimalizmusból származnak, John Cale és Angus MacLise a Velvet Undergroundban való részvételük előtt együttműködtek a La Monte Young- nal és az Örök Zene Színházával .

Sok Philip Glass munkája van kőzet- kapcsolódó . A rock világgal foglalkozott a gyártással és ott hírnevet szerzett. Zenéje hatással lesz néhány kísérleti rockcsoportra , különösen a németre: Kraftwerk , Cluster vagy Neu! . David Bowie-ra és Brian Enóra szintén Glass hat, még Steve Reich is, és a minimalizmus hatása egyértelműen érzékelhető az Eno által létrehozott Ambient mozgalomban . Hasonlóképpen, Eno albumot Robert Fripp , No pussyfooting (1973) erősen befolyásolja Zene módosítása alkatrészek ( 1970 ). Robert Fripp a King Crimson 1981-es visszatérését jelző három albumban , a Discipline , Beat és a Three egy tökéletes párból áll , a minimalista nyelv által befolyásolt posztprogresszív rockban, amelyet újhullámú, elektronikus, és etnikai.

1976-tól Glass együttműködött a manhattani rockklubokkal, valamint a punk rock és post-punk mozgalommal , nevezetesen a Philip Glass Ensemble révén . Az olyan bandákat, mint a Theoretical Girls , vagy a zeneszerzőket, mint Rhys Chatham , Glass rock-élménye is befolyásolja. 1995-ben komponált zenekari változata Icct Hedral által Aphex Twin , az egyik legnagyobb szerzők elektronikus zene . Az 1990-es években Philip Glass inspirációt kap majd David Bowie Low (1976) és "Heroes" (1977) albumai közül, hogy komponálja két szimfóniáját ( 1. és 4. szimfónia ), ezáltal hangsúlyozva a kölcsönös kölcsönös interakciók a két különböző háttérrel rendelkező művész között.

Elismerés és népszerűség

A minimalizmus kísérleti mozgalomként született és a klasszikus zene hagyományos világán kívül fejlődött ki . Az első koncerteket főként művészeti galériákban vagy múzeumokban adják, ezeket maguknak a zeneszerzőknek kell megszervezniük. Mindenekelőtt a felvételek teszik lehetővé a minimalista zene széles körű terjesztését, beleértve Európát is, ahol a vétel meglehetősen jó. Ráadásul Európa volt az, amely a minimalisták számára megkapta az első nagyobb elismerés jeleit, a francia állam megbízásából Philip Glassért , és rekordsikert ért el a közönség körében, amely nem csak a kortárs zene szerelmeseinek szól , a Zene 18 zenésznek felvételével. a Steve Reich , a német kiadó Edition of Contemporary Music .

Ezután sokkal szélesebb körű elterjedés következik be, amikor a mozi és a televízió újraindítja a minimalisták munkáját, vagy a nagyrészt általuk ihletett zenét.

Nehéz kezdetek

A minimalisták első koncertjei a klasszikus zenei reprezentáció hagyományos körzetén kívülre kerülnek. A zeneszerzők művészeti galériákban ( Park Place Galéria ), múzeumokban ( Salamon R. Guggenheim Múzeum ), magánlakásokban ( Yoko Ono padlása ) vagy egyetemeken mutatják be műveiket . A képzőművészek különösen nyitottak Philip Glass és Steve Reich zenéjére, és elismerik a rokonságot saját munkájukkal.

Az első hivatalos koncertek a klasszikus hangversenytermekben voltak a botrányok alkalmával. Steve Reich Négy orgona előadása a Carnegie Hallban 1973-ban nyilvános tiltakozást váltott ki a mű hipnotikus jellege ellen. Az előadások során Philip Glassot tojásdobásnak vetik alá. Richard Serrával tartott európai körútja során a közönség kedvezőtlenül reagált Glass műveire, különösen Amszterdamban .

A kritikusok fogadtatása vegyes. Tom Johnson, a Village Voice és Michael Nyman pozitív kritikákat írnak az első koncertekről, de ők maguk is zeneszerzők, közel a minimalista mozgalomhoz. Más újságírók sokkal keményebbek, különösen Donald Henahan, a New York Times munkatársa Reich munkájáról. A Times Harold Schonbergjét meglepte egy Terry Riley-koncert, amelyen egy A szivárvány görbe levegőben , Poppy Nogood és a Phantom Band játszik . A kritikus felismeri a minták ismétlésével kapott hipnotikus karaktert, az indiai zene közelségét , de az eredményt "monotonnak és kellemetlennek" írja le .

A zenészek fogadtatása is vegyes, a La Monte Youngot tanárai lebecsülik, és darabjait nagyrészt félreértik.

Elismerés és siker

Terry Riley volt az első zeneszerző, aki elismerést kapott munkájával az In C ( 1964 ) sikere nyomán . 1967-ben a Svéd Királyi Zeneakadémia megbízta Olson III zenekar és kórus művének elkészítésével . 1969-ben a Dilexi Alapítvány megbízta, hogy írjon kottát egy videóhoz Arlo Acton szobrászművész munkájáról , amely később a Zene a labdákkal lett . Együttműködik a svéd és a dán televízióval is.

Az amerikai karmester, Michael Tilson Thomas fontos szerepet játszik a minimalista zene elterjedésében. 1971-ben és 1973-ban szervezte az első koncerteket a fontos termekben ( Carnegie Hall 1973-ban), a Bostoni Szimfonikus Zenekar szervezésében . Reich és Glass 1971-ben közösen bejárták Európát, ahol együttes csoportjuk négy szervet , inga zenét , zongora fázist , Reich fázismintáit és Glass változó alkatrészekkel készült zenéjét adta elő . A párizsi és a londoni koncertek fogadása biztató, Németországban vegyesebb.

Mindenekelőtt a felvételek teszik lehetővé a zeneszerzők számára a forgalom növelését. Már 1967- ben Steve Reich Come Out és Terry Riley In C lemezeit vették fel a Columbia Records számára , mintegy húsz kortárs művet tartalmazó albumban. az albumot bírálták a zenei sajtóban, valamint a Time magazinban . Steve Reich 1969-ben Gonna Rain és Violin Phase , valamint Terry Riley Anthrax temploma 1970-ben került felvételre, még mindig Kolumbiával. 1971-ben Philip Glass létrehozta saját lemezcégét, a Chatham Square Productions-t, amellyel kiadta a Zene változó alkatrészekkel , a Zene ötödikben , a Zene hasonló mozgásban c . A felvételeket egy francia kiadó, a Shandar is gyártja. Franciaországból is érkezik a minimalisták igazi elismerése. 1974-ben Michel Guy , akkori kulturális államtitkár megbízta Einsteint a tengerparton Philip Glass-tól. A mű megalkotása és turnéja Európában 1976-ban sikeres volt, csakúgy, mint az ugyanabban az évben New York-i előadások.

A discographic elismerés Németországból származik, és 1974-ben a felvételi a rangos komolyzenei címke Deutsche Grammophon , a dobolás , Six zongorák , Zene Mallet Instruments, Voices, és orgonára Steve Reich. 1978-ban a Zene 18 zenésznek felvétele tette igazán ismertté Steve Reich zenéjét nemzetközileg és széles közönség számára. A jazz- és rögtönzött zenéknek szentelt német kiadó, a Contemporary Music kiadó gyártja a lemezt, és amely az avantgárdokénál jóval nagyobb közönség számára teszi lehetővé a minimalista zene felfedezését. Ezzel ellentétben, a La Monte Young részéről a kompromisszumok megtagadása a lemezkiadókkal vagy a koncerttermekkel szemben ritkává teszi a lemezgyártását, és munkáját valójában kevésbé széles körben terjesztik és ismerik.

Az 1980-as és 1990-es évektől kezdve a minimalista zenét a televízió és a mozi tömegesen másolta és sugározta. A zeneszerzők a filmzene és a TV reklámok másolja különösen trükkök a Philip Glass . Steve Reichet és Meredith Monkot is utánozzák. Úgy tűnik, hogy az amerikai minimalista mozgalom bizonyos megújulása olyan új zeneszerző generációval van kialakítva, mint Nico Muhly , aki különösen Philip Glass- szal vagy Dustin O'Hallorannal dolgozik , de Európában például a francia Sylvain Chauveau-val , a német Max Richter vagy a luxemburgi Francesco Tristano , akiket néha egy úgynevezett „poszt-minimalista” mozgalomba sorolnak .

Kritika és elemzés

Rendkívül erős kritikát fogalmaztak meg a minimalizmus iránt, főleg az avantgárdhoz közeli zeneszerzők vagy zenetudósok , vagy a filozófusok részéről. Az amerikai zeneszerző, Elliott Carter többször is kifejezte a minimalizmus és általánosabban az ismétlés zenei elutasítását, amelyet a zeneszerző halálának tekintenek. Különösen hasonlít a reklámra , amely kéretlen, tolakodó és hányingerig ismétlődik. A fasiszta kifejezést még kifejezetten használták, akárcsak az ismétlés mint agymosás módszerének összehasonlítását, amint azt a reklámokban vagy a hitleri beszédekben gyakorolják .

Gyakori kritika az, ha a minimalista zenét felszínességgel vagy akár antiintellektualizmussal vádolják. Úgy tekintik, hogy „sehova sem vezet”, tagadja a zenei nyelvet, és csak „hangos kárpit” . Különösen Philip Glass zenéje koncentrálja azokat a kritikusokat, akik néha "hazugságnak" vagy "visszafejlődésnek" minősítik . Az "egyhangú" vagy "unalmas" minősítők gyakran felmerülnek La Monte Young és Terry Riley áttekintésében. A kritikusok nagyon megosztottak, és általában "mellette" vagy "ellen" állítják őket. Franciaországban John Adams műveire az első reakciók nem voltak túl kedvezőek. 1990-ben a Télérama magazin a kínai Nixonról írt  : „ez a zene nulla foka. Egyfajta tipikusan amerikai termék, például a Coca-Cola , a Disneyland és az Új Nemzetközi Rend ” .

A minimalizmus kritikáját néha összekeverik a posztmodernség kritikájával . Az avantgárd zeneszerző, Brian Ferneyhough visszautasítja a posztmodernitást, és különösen John Adams-t kritizálja , aki szerint az etika hiányát a zenei kultúra figyelmen kívül hagyásának elmulasztásával kapcsolja össze.

Néhány zenetudós számára viszont a minimalizmus tökéletesen illeszkedik a modernségbe. A szerializmus, különösen Schönberg és Webern , a La Monte Youngra és Terry Riley-re gyakorolt ​​határozott hatásai mellett , amelyek közvetlenül a minimalizmus első műveihez vezettek, mint például a Trio for Strings ( 1958 ), a zene generálásának szigorú folyamatainak alkalmazása, mint Reich és Glass által kifejlesztettek, párhuzamosak lehetnek az integrális szerializmus kötöttségeivel vagy John Cage véletlenszerű folyamataival . Különösen a szakaszos folyamat által biztosított eredmények elfogadása (még ha determinista is, a folyamat részben elkerüli a zeneszerzőt) közvetlenül összehasonlítható a véletlenszerűen előállított zenei termékek Cage-ben való elfogadásával.

Keith Potter zenetudós számára a minimalizmus modernitása mellett egy másik érv a „defamiliarization” , amely kifejezés a formalista teoretikus, Victor Chklovski által javasolt kifejezés az aktuális elemek hatásának elvesztését jelenti, jelentésükben a szokás csökkent. Chklovski szerint a művészet célja, hogy ezt az értelmet adja vissza olyan dolgoknak, amelyekhez túlságosan megszokta volna magát. Potter rámutat, hogy a megszokott elemek újrafelfedezését Cage és a sorosok már elvégezték, de a minimalisták ezt nagyon másképp valósítják meg. A hallatlanok helyett egy rendkívül egyszerű és ismerős zenei anyagból indulnak ki, és intenzív ismétlés révén alaposan tanulmányozzák azt. Az első így vizsgált paraméter a ritmus , a szisztematikus megközelítés a tanulmányhoz közeli darabokat produkál, és ezeknek az első daraboknak a kísérleti zene valódi jellegét adja . Ezt a feltárást ezután kiterjesztik más paraméterekre ( magasság , harmónia ).

Keith Potter szerint:

„A minimalizmus arra kényszeríti a hallgatókat, hogy újból értelmezzék a megszokottakat, nemcsak a saját észlelésük és érzéseik révén, hanem ugyanazon elvek (szabályos lüktetés és a cél felé való elmozdulás érzése által) generált energiák révén is, amelyek aláássák a Nyugati hangzene az elmúlt évszázadokban. "

Alapvető művek

Megjegyzések és hivatkozások

Megjegyzések

  1. Mi is valójában a minimalizmus?
  2. A C-ben franciául En C-dúr fordítás
  3. Ezt a kifejezést a zeneszerző előnyben részesíti, hogy megkülönböztesse a tisztán ismétlődő zenétől
  4. A francia, álom Accord

Hivatkozások

  1. Marie-Claire Mussat, A zene pályái XX .  Század , Klincksieck , 2002 ( ISBN  2-252-03404-1 ) , pp.  141-143 .
  2. Reich (2002) , Paul Hillier bevezetője , p.  4 .
  3. a kísérleti zenében: Cage és azon túl , Michael Nyman , Schirmer Books kiadások, New York, 1974.
  4. Strickland (1991) , Steve Reich, pp.  34-50 .
  5. Potter (2000), p. 1-20
  6. Tom Johnson, A minimális lassított megközelítés , Alvin Lucier et al. , A falusi hang , 1972. március 30
  7. Strickland (2000) , Sound, pp.  252-253 .
  8. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , p.  255 .
  9. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , p.  85 .
  10. Strickland (1991) , p.  91 .
  11. Nyman (1974) , p.  68 .
  12. Reich (2002), p.  160
  13. Potter (2000) , p.  281 .
  14. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , p.  414 .
  15. Strickland (1991) , La Monte Young pp.  52-70 .
  16. Machard, (2004) , pp.  47-64 .
  17. Paul Griffiths, A modern zene rövid története, Debussytól Boulezig , Fayard kiadások , 1978, pp.  161-165 .
  18. Potter (2000) , Terry Riley, pp.  92-150 .
  19. Strickland (1991) , Philip Glass pp.  142-158 .
  20. Nyman (1974) , p.  211 .
  21. Reich (2002) , p.  202 .
  22. Potter (2000) , La Monte Young, pp.  21-91 .
  23. Potter (2000) , Steve Reich, pp.  151–250 .
  24. Potter (2000) , Philip Glass, pp.  251-341 .
  25. Strickland (2000) , Sound, pp.  119-256
  26. Strickland (2000) , Sound, p.  176
  27. Potter (2000) , Steve Reich, pp.  151-153 .
  28. Potter (2000) , p.  288-295
  29. Potter (2000) , Philip Glass, p.  307-323
  30. Potter (2000) , Philip Glass, p.  340-341
  31. J. Y. Arm Zenei áramlatok a XX .  Századból p.  260
  32. B. Ramaux Chevassus Zene és posztmodernitás p.  34 .
  33. B. Ramaux Chevassus Zene és posztmodernitás p.  33
  34. "  Minimalista zene  " , az IRCAM oldalán
  35. Zeneszerző aktája: Henryk Mikolaj Górecki , Le Mensuel de Polyphonies, n ° 31 - 2009. január
  36. John Adams , Machard (2004), p. 49
  37. Potter (2000) , La Monte Young, pp.  29-32
  38. Potter (2000) , La Monte Young, pp.  58-59 .
  39. Strickland (2000) , Sound, p.  179 .
  40. Potter (2000) , Terry Riley, p.  98-99
  41. Potter (2000) , Terry Riley, pp.  117-124 .
  42. Potter (2000) , Terry Riley, pp.  128-130 .
  43. Jean-Noël von der Weid, A XX .  Század zenéje , Hachette Irodalom , 2005, p.  387 .
  44. Steve Reich, A zene mint fokozatos folyamat , in Writings on Music 1965-2000 , Oxford University Press , 2002, pp.  34-36 .
  45. Paul Epstein, „Mintázat szerkezete és folyamata Steve Reich zongorafázisában”, Oxford University Press , The Musical Quarterly , 1986; LXXII (4): 494-502.
  46. Fink (2005) , Színes részlet a fogyasztói szubjektivitás 20. századi drámájában pp.  62-119 .
  47. Strickland (2000) , Sound, p.  123.
  48. Strickland (2000) , Sound, pp.  175-180 .
  49. Potter (2000), p.  188
  50. Potter (2000) , La Monte Young, p.  65-66
  51. Eric Darmon, Philip Glass, Looking Glass , DVD Arte France , 2005
  52. Lake (2007) , Gavin Bryars megjegyzése , p. 73.
  53. "  Minimalista zene  " , az IRCAM weboldalán
  54. [PDF] Tánc és zene: a Manège de Reims oktatási fájl ismétlődése és felhalmozása
  55. Rosita Boisseau , a kortárs tánc körképe . 90 koreográfus , Textuel Editions , Párizs, 2006, pp.  110-111 .
  56. (in) Hősök a Twyla Tharp hivatalos honlapján .
  57. (in) Roselyn Sulcas, "Rendezvous With Reich" , The New York Times , 2008. október 17.
  58. Rosita Boisseau , a kortárs tánc körképe . 90 koreográfus , Textuel Editions , Párizs, 2006, pp.  300-301 .
  59. (a) John Rockwell, „Reich Turns 70; Kitörnek az ünnepségek " , The New York Times , 2006. október 5.
  60. Potter (2000) , Steve Reich pp.  171-172 .
  61. Potter (2000) , Philip Glass, p.  266
  62. Potter (2000) , Philip Glass, p.  268 .
  63. Edward Macan (1997), A klasszikusok ringatása: angol progresszív rock és az ellenkultúra p.  212 .
  64. Strickland (1991) , Terry Riley, p.  110 .
  65. Potter (2000) , La Monte Young, p.  76 .
  66. Strickland (2000) , pp.  1-2
  67. (in) Nico Muhly életrajz a hivatalos honlapján a Los Angeles-i Kamarazenekar .
  68. (in) John Schaefer , posztminimalista zene , New Sounds adást sugárzott , WNYC , 2011. június 24.
  69. Geoffrey Norris, "A minimalizmus halál", interjú Elliott Carterrel , The Daily Telegraph , 2003. július 25.
  70. Strickland (2000) , End, p.  286 .
  71. Heinz Holliger , interjú Jacques Drillonnal, a Le Nouvel Observatőrrel , 2003. április 17–23.
  72. Michael Gielen, Freitagban, Berlin, 12., VI. 2003
  73. Strickland (1991) , La Monte Young p.  52
  74. Renaud Machart , John Adams , Actes Sud / Classica, 2004, p.  111 .
  75. Marc Texier, néhány valótlanságokat a munkáját Brian Ferneyhough , libretto a CD-Auvidis Montaigne művei Brian Ferneyhough. 1997

Függelékek

Kapcsolódó cikkek

Bibliográfia

Külső linkek