A chiaroscuro egy festményen vagy egy nyomtatáson a kontraszt a világos és a sötét területek között. Egy ábrás műben a megkönnyebbülést javasolja azzal, hogy az értékekkel utánozza a fény hatását a kötetekre. Azt mondjuk, hogy egy festmény "chiaroscuro-ban" van, amikor ez a kontraszt fontos. Ritkábban és régebben az „un clair-obscur” olyan mű, amely csak értékeken játszik, az árnyalatok szinonimája .
A chiaroscuro-val a többé-kevésbé megvilágított részek világosak vagy árnyékban vannak . A megvilágított felülettől függően sima vagy szögletes, és ha ez a fény lágyabb vagy erősebb, ha az árnyék mélyebb vagy a kontrasztok intenzívebbek, akkor a chiaroscuro észrevehetetlen, élesebb vagy brutálisabb átmenetet eredményez, egymás mellé állított felvételek révén, amelyek teljes fényereje világos vagy sötét . Ez általában abból áll, hogy sötét színátmeneteket készítenek többé-kevésbé világos közegen, de néha fordítva, világos színekkel sötét közegben.
A chiaroscuro folyamatát az ókori Görögország festésében gyakorolták , legalábbis az ie. IV . Század végén , hellenisztikus festéssel. A középkor elhagyta; a reneszánsz kezdetétől újra használják . Caravaggio , majd Rembrandt fejlesztette a gyakorlatot, a rajzolásban és a metszésben, valamint a festészetben. A művészek és amatőrök versenyeznek fontos a XVII -én a XIX th században, közvetlenül a vonal vázlat , a chiaroscuro tehet elmosódnak. Az E megbeszélések közel a színes vita , modellezés jelöli a módot, ahogyan a művész sikerült ez a képviselet mennyiség, több-kevesebb chiaroscuro.
A XIX . Század fejleszti a grafikát . A litográfia biztosítja a szürke értékeken alapuló nyomtatott kifejezés folyamatát. Az impresszionizmus lemond a chiaroscuro-ról, az árnyék variációkra összpontosítva fejezi ki a fényt . Az 1840-es évektől kezdve a fényképezés is a „fekete-fehér” alapokon nyugodott ; amikor a fényképészet a XX . században önálló művészetként ismeri fel , akkor a fénypontok és árnyékok közötti különbségek mértékét kontrasztként határozza meg .
A macedón sírok felfedezése 1977-től egyértelműen azt bizonyítja, hogy az ókori Görögország legnagyobb festői a chiaroscuro-t nagyon jól elsajátították . Ebben megkülönböztetik a hellenisztikus görög művészetet az azt megelőző chiaroscuro nélküli festményektől: a fekete figurájú kerámiák és a vörös figurák , a grafikai megoldások nem csak képi megoldások, amelyek a jelenleg megőrzött görög festmények fő részét képezik. Az alakokat ott metszett, bevésett vagy festett vonalak követik, és nagy fekete lécek alkotják a formát vagy a hátteret. Chiaroscuro viszont látható a hellenisztikus festményeken árnyalt színekkel és kikeléssel történő modellezéssel, a modern korszaktól nagyon eltérő módszer szerint: amint azt Persephone karján láthatjuk, Vergina sírjában.
A középkori hagyományos folyamat szerint, amelyet továbbra is Cennino Cennini (1370-1440) tanácsol , a modellezést vagy a helyi szín telítettségével, vagy az árnyék színváltozásával (a (it) cangiantismo ) végzik , mint az ember Giotto padovai freskójában látja. Utána Alberti elkészíti a „fények befogadását” a kép harmadik részében, amely Leonardo da Vincit hirdeti az árnyékoknak tulajdonított fontosságról. Szerint André Chastel , a Vinci, a „gondja” megkönnyebbülés „jár az áldozat a szín mellett modellezés. De készít [...] az összeférhetetlenség kontúr és gondolatokkal kezdődik megfogalmazni korai és amelyek végei (it) szfumátós ” .
Daniel Arasse ezt a pillanatot fejleszti, amikor ahelyett, hogy „kontúrról” beszélne, a figurák feliratát perspektivikus geometriával és annak egyesítő elvével idézi fel , amelyet az árnyék fog felváltani, mint a perspektívánál fontosabb festmény egyesítő elve. És hogy az "igazi" színt lehetetlen érzékelni. A chiaroscuro ( (it) : chiaroscuro ), amelyet az 1500-1508 közötti drapéria tanulmányozásakor látunk, egy kefével, fekete tintával és szürke mosással végzett komplex munkával éri el a kő csiszolt aspektusát , fehér színnel világoskékre emelve mosott papír (világoskék mosás). A XVI . Század elejétől a chiaroscuróban történő rajzolás visszafogottan festett papírra, a világosabb részekre pedig egyértelmű fénypontok kerülnek.
Fordítva, tenebrizmusról beszélünk, amikor a világos részek nagyon sötét részekkel dörzsölés nélkül azonnal vállat dörzsölnek, kontrasztok hatását keltve , és az árnyék uralja az egész festményt. Ez különösen érvényes Caravaggio munkájára , aki a gyakorlatot a XVII . Század elején fejleszti . A leghangsúlyosabb chiaroscuro rendszerezésének jelentése van Caravaggio festményében: a földi világ sötétségbe, tudatlanságba merül, míg az isteni behatolást a fény jelzi egy jelentős cselekvésnél. Ez a folyamat lehetővé teszi a drámai feszültség növelését, a szemlélet pontos pillanatban történő befagyasztását, a domborzat illúziójának erősen markáns kötetben való megadását - ami a művész know-how-járól tanúskodik.
A Caravaggio , amely különösen a francia Valentin de Boulogne festményein látható , nem csak a fényhatások, a drámai chiaroscuro szempontjából tekinthető. A Caravaggio követője, Bartolomeo Manfredi által kidolgozott módszer figyelembe vesz bizonyos kiváltságos szubjektumokat, például korabeli jelmezes zenészcsoportokat, egy (1/1) méretarányban festve, közelről stb. Néhány holland festők, akik az utazás Olaszországba, és akik összegyűltek egy iskola Utrecht , Honthorst , ter Brugghen , Baburen elfogadta ezt a módszert. Flandriában a jelenség korlátozottabb, és sokkal nagyobb szabadsággal értelmezhető, mert ezek a művészek Louis Finsont leszámítva nem Olaszországba utaztak , hanem aki pályafutásának nagy részét Olaszországban, majd Franciaországban töltötte. E flamandok leghíresebb művésze ma Jordaens , de nagyon távol áll a karavagizmustól. Távoli hullám érkezik, de összetettebb és diffúzabb módon, egészen Jan Lievensig és Rembrandtig , még Vermeerig is . De ezek a művészek nyilvánvalóan gyakorolják a chiaroscurót, mint minden kortársuk.
Mint a festészet legtöbb fogalma, a chiaroscuro is keserű vita tárgya Franciaországban. A klasszikus francia elítéli Caravaggio ellentéteit, mert ezek akadályozzák a nemes forma tökéletes megjelenítését. 1765-ben Diderot , valamint Watelet a chiaroscurót technikai és esztétikai problémaként határozta meg: "az árnyékok és fények igazságos eloszlása" . Nem helyesli a „fényhatásokat” , és magasztalja a „fokozatos elosztást” és a „fények igazságát” . Chiaroscuro egy tájban magában foglalja a légköri perspektívát ; a portréban a kötet illúzióját kelti.
A fénykép, amint fókuszba kerül, 1850 körül, csak chiaroscuro. Ez a jelenség reprodukálódik a képírókig, akik élvezni fogják a festészethez és a rajzhoz közeli effektusokat. Módszerük a fényképészeti eszköz összes lehetséges paraméterével való játékból áll: a fényképezőgépből és annak lencséjéből, a fényből a bekeretezett tárgyhoz viszonyítva, a fényérzékeny papírokból és alkatrészekből, a laboratóriumi munkából és a mindig lehetséges retusálásból. Alfred Stieglitz volt a fotózás ezen gyakorlatának egyik nagy népszerűsítője. De Entrepontja klasszikus chiaroscurót mutat, minden árnyalatban. A fotográfia a társadalmi helyzet világos kifejezése révén lép be a modernségbe a keretezés megválasztásában, és a felső szint világos részét a gazdag utazóknak tartják fenn, az alsó szintet és annak sötét területeit pedig a nélkülöző migránsok számára tartják fenn. Ezért nem kizárt, hogy megpróbálják eltüntetni a chiaroscuro-t, rendkívüli ellentétekkel.
A háttérvilágítás , Edward Steichen Rodin portréjában , fenntartja a háttérben a chiaroscuro-t, amelyen az alak teljesen fekete sziluettként jelenik meg. Paul Strand ( Wall Street. New York City [1915]) és még inkább Walker Evans , homlokzati nézeteiben, 1929 körül, két kivételes jó példa, ahol a chiaroscuro szinte teljesen megszűnt. A Polaroid Andy Warhol és működtetése festés képek szitanyomás része ugyanazt a folyamatot, amely kiküszöböli az árnyalatok chiaroscuro, miközben csak a lapos árnyalatokat a színes vagy fekete, egyesült.
Ami Degas fotográfust illeti, fényképein az ő portréi nem hasonlíthatók a piktorialista portrékhoz, "chiaroscuro-ja úgy tűnik, hogy bejelenti Edward Steichen 1900-1905 körül készített portréit" .
A kérdés az ábrázolás a fény és árnyék talált más megoldást a modern művészet festményei az impresszionisták és a poszt-impresszionista akik kihasználják a tonális értékét a színek. Korszerűsítettük a régi megoldásokat is, például amikor Franz Marc tetszőleges színt alkalmaz az általa képviselt alakra, és leegyszerűsíti a modell ábrázolását. Erre már korábban is sor került, például Giotto festményén, de míg Giotto végül más színt használt, tónusértékétől függően, Marc egyszerűen ugyanazt a színt használja, amely „sötétebb”, miközben továbbra is „tiszta” marad.